domingo, 12 de diciembre de 2010

LAS FLORES DEL MAL ( Charles Boudelaire)


¿Vienes del cielo profundo o surges del abismo,
Oh, Belleza? Tu mirada infernal y divina,
Vuelca confusamente el beneficio y el crimen,
Y se puede, por eso, compararte con el vino.

Tú contienes en tu mirada el ocaso y la aurora;
Tú esparces perfumes como una tarde tempestuosa;
Tus besos son un filtro y tu boca un ánfora
Que tornan al héroe flojo y al niño valiente.

¿Surges tú del abismo negro o desciendes de los astros?
El Destino encantado sigue tus faldas como un perro;
Tú siembras al azar la alegría y los desastres,
Y gobiernas todo y no respondes de nada,

Tú marchas sobre muertos, Belleza, de los que te burlas;
De tus joyas el Horror no es lo menos encantador,
Y la Muerte, entre tus más caros dijes,
Sobre tu vientre orgulloso danza amorosamente.

El efímero deslumbrado marcha hacia ti, candela,
Crepita, arde y dice: ¡Bendigamos esta antorcha!
El enamorado, jadeante, inclinado sobre su bella
Tiene el aspecto de un moribundo acariciando su tumba.

Que procedas del cielo o del infierno, qué importa,
¡Oh, Belleza! ¡monstruo enorme, horroroso, ingenuo!
Si tu mirada, tu sonrisa, tu pie me abren la puerta
De un infinito que amo y jamás he conocido?

De Satán o de Dios ¿qué importa? Ángel o Sirena,
¿Qué importa si, tornas —hada con ojos de terciopelo,
Ritmo, perfume, fulgor ¡oh, mi única reina!—
El universo menos horrible y los instantes menos pesados?

Este es el poema que mas me gusto del gran texto de Boudelaire, ya que me identifico mucho con este por su contenido.

sábado, 11 de diciembre de 2010

EXPOSICIÒN "MARIANO RETRO"

En el ex Antiguo Hospital Militar, se podrá observar hermosas obras de los artistas Galo Galecio, Jaime Valencia, Oswaldo Viteri, Germania de Brehil, Araceli Gilbert, Eduardo  Kingman, Gilberto Almeida, Nelson Román, Ramiro Jácome, Carlos Viver, Mariela García, Mariana Fernández de Córdova, Mario Ronquillo, Luigi Stornaiolo y de otros pintores, escultores, grabadores, hombres y mujeres, que dejaron su profunda huella de trabajo y perseverancia y que quedará grabada para siempre en el panorama del arte ecuatoriano.

Objetivo del evento

  • El fin es difundir la recopilación de obras de arte pertenecientes a los ganadores del Salón desde 1917 hasta el 2008 (último emisión), las mismas que han sido acopiadas de 4 reservas públicas y varias privadas.
  • Presentar el documento de conceptualización y redefinición de este Premio, que es el más antiguo del Ecuador, con el ánimo de visibilizar el compromiso de apoyo e incentivo por parte del MDMQ a la producción artística contemporánea, fortaleciendo el nombramiento de Quito como Capital Cultural de América.

Importancia del “Mariano Retro”

Esta retrospectiva es importante en este momento con relación al Bicentenario y a la Capital Americana de la Cultura 2011, porque es una ocasión para hacer una síntesis de todo el arte plástico ecuatoriano del siglo XX y lo que va del XI.

Sera una demostración de la vitalidad cultural de Quito y sin duda es una de las razones para ser Capital Americana de la Cultura.

Muchos de los artistas merecedores del premio Mariano Aguilera, en las décadas del 20 al 50 trataron el tema indigenista, mostrando parte de la identidad nacional y de América, como un mecanismo de denuncia y compromiso social.

Historia del Salón Mariano Aguilera

Un acto de filantropía de un miembro de la Ilustre Municipalidad de Quito, quien en 1917 donó un inmueble para que con el producto de su arrendamiento anual se entregaran tres premios para las tres mejores obras artísticas del año, fue el inicio de este Salón. Han participado los más grandes exponentes de la plástica ecuatoriana.

Esta actitud generosa venía de la mano con la inquietud de un respetable grupo de artistas de la segunda década del siglo XX, que buscaban nuevos caminos para expresar la patria, para pintarla y esculpirla desde otra voz, desde otro rasgo, desde otra perspectiva, alimentada y enriquecida no solamente por la pintura de la época colonial —de extraordinaria mano de obra indígena, mestiza, y modelo europeo–, sino con todo ese universo bullente y singular de los movimientos artísticos de la Europa de fines del XIX y principios del XX, cuya tenaz vocación y audacia para asumir la obra de arte cambiaría para siempre los cánones de la pintura universal.

Apenas en veinte años, de 1917 a 1940, el arte ecuatoriano se estremeció y tomó aliento a propósito de tres acontecimientos importantes. En 1917, el nacimiento del Salón Mariano Aguilera; en 1939, la inauguración del Salón de Mayo del Sindicato de Escritores y Artistas del Ecuador, cuyo secretario fue el recordado periodista Jorge Reyes; finalmente, el 28 de octubre de 1940 se fundó la Galería Caspicara, con Eduardo Kingman como director.

En 1982, sesenta y cinco años después de la creación del Salón Mariano Aguilera, el Municipio de Quito realizó una retrospectiva que permitió admirar la diversa simbología y presencia del arte de nuestro país, ese espíritu contestatario y rebelde, melancólico y dramático, que son rasgos sobresalientes de nuestra identidad y que nos permitieron conocer las obras de extraordinarios artistas como Galo Galecio, Jaime Valencia, Oswaldo Viteri, Germania Paz y Miño, Luigui Stornaiolo, entre otros pintores.

Ahora, en este nuevo proceso histórico que está viviendo nuestro país, a noventa y tres años de que el gran Víctor Mideros recibiera la cantidad de trescientos dieciséis sucres por el Primer Premio del Salón Mariano Aguilera, es preciso enriquecer nuestra memoria, rendir homenaje a los artistas que nos han precedido, abrazar sus colores y sus formas, comprender que el arte alienta la revolución y su historia; y que, definitivamente, la obra de arte se desprende siempre del contexto sociopolítico que al artista le ha tocado vivir, razón por la cual el Municipio del Distrito Metropolitano de Quito se ha planteado la necesidad de redefinir los contenidos de este premio para reposicionarlo en el contexto nacional e internacional.
TOCAR,MIRAR,SENTIR

En esta muestra, organizada por la Pontificia Universidad Católica del Ecuador y la Galería Táctil del Museo de Louvre, en París, el visitante debe interactuar con las figuras, sentirlas y conocer su material, hasta que no le quede ninguna duda sobre ellas.
"Tocar, Mirar, Sentir" es un espacio para que personas no videntes, pero videntes también, entren en contacto con el arte, lo examinen y se interesen por él.
La idea primero es examinar la figura sin verla, sólo tocándola, después, con los ojos abiertos, repetir el proceso e interpretar las nuevas sensaciones.
En la exposición se presentan 16 réplicas del Museo de París y otras 16 obras precolombinas de Ecuador, entre ellas bustos de personajes griegos, ninfas y diosas del Louvre, y figuras antropomorfas, la venus de Valdivia y sellos de culturas precolombinas.
En el mural de entrada, el director del Centro Cultural de la Católica, José Nevado, recuerda a los visitantes: "los videntes, los que tenemos ojos y vemos, podemos caer en la tentación de pensar y creer que la belleza solo se puede apreciar y gustar por la vista, pero no".

En la visita a esta exposicion, nos demuestra como es la vida de un no vidente y nos hace entrar en su vida durante algunos minutos, y nos hace dar cuenta de que no simplemente en la vida las cosas se miran o observan; sino que es necesario sentirlas, tocarlas y oirlas para tener el pleno conocimiento de lo que vemos. Asi como tambièn concientizar a la gente de lo dificil que es ser una persona no vidente y el ejemplo de lucha que estos nos dan ante los obstàculos de la vida.

Basilica



La basílica es una clara mezcla de las tendencias culturales de la época siendo así esta una clara presentación de lo que se denomino arte gótico, también debemos tener en cuenta que existe dentro de la misma la mezcla de muchas tendencias y técnicas que se venían utilizando en épocas anteriores nos encontramos frente a una estructura que se la considera la más grande a América Latina y que aun no se termina su construcción en donde observamos capiteles perfectamente tallados y técnicas como el arco de medio punto y la mezcla de otras en donde observamos el predomino del arte gótico pero no tiene gárgolas si no que estas las reemplaza con otros objetos
La nave central tiene 140 metros de largo por 35 metros de ancho y 30 metros de altura; además de 74 metros de alto en el crucero; a lo largo de esta se encuentran dispuestas 14 imágenes de bronce que representan 11 apóstoles y 3 evangelistas. Las capillas votivas, que se cuentan en número de 24, tienen 15 metros de altura. Además, las dos torres frontales tienen 115 metros de altura cada una, detalle que convierte a la Basílica en la estructura más alta de la ciudad de Quito D.M.; aunque la Torre CFN sea considerada el edificio moderno mas alto de la capital.
El altar, desde donde los sacerdotes imparten la misa, se encuentra ubicado en el crucero de la estructura, en el corazón mismo de la Basílica. Este es un detalle que rompe con el estilo gótico puro, pero que le confiere originalidad y carácter a este ensayo de un neogótico ecuatoriano.
Existen además siete puertas de acceso, tres en las fachada y cuatro laterales. Una sólida cripta pública subterránea, con una peculiar capilla de iguales características. También cuenta con un elegante y austero panteón donde descansan los restos de algunos Jefes de Estado.

La planta típica del gótico es de grandes extensiones con una nave central y dos laterales y una sección que la atraviesa formando una cruz. Siguiendo este concepto, la Basílica del Voto Nacional presenta la planta de cruz latina; la extensión total de la misma, incluida la capilla del Inmaculado Corazón de María, es de 150m.
Nave
Está conformada por cada uno de los grandes espacios que se ubican a lo largo de la estructura El cuerpo principal de la Basílica está formado por una nave central, dos naves menores y 24 capillas laterales, dedicadas a cada una de las provincias del país en las que irá colocada un altar, la bandera, y el escudo o emblema de cada una de ellas. Con esto se logra pragmatizar la ideología de la unificación del país.
La Basílica consta de dos partes principales que son: una nave principal, dedicada al Corazón de Jesús, consagración realizada el 25 de Marzo de 1874, bajo el gobierno del Sr. Presidente Dr. Gabriel García Moreno y una más pequeña para el Corazón de María, consagración realizada bajo el gobierno del Dr. Luis Cordero el 8 de Abril de 1892.
Puertas
La puerta principal de la Basílica del Voto Nacional, es de madera con forro de latón repujado, que muestran escenas de la vida de Jesús, la Creación que incluye a Adán y Eva y una escena que muestra al pueblo indígena, a la llegada de los españoles quienes imponen una doctrina, aceptando como un hecho real, importante y valedero, la toma de una nueva religión, desvalorizando la existente.
La mayoría del resto de puertas del edificio son de madera tallada y mantienen la forma ojival típica del gótico francés. Muchas contienen representaciones del sol y otros astros.
Nichos

Los nichos, que tradicionalmente se utilizan para venerar estatuas o imágenes de santos, se los ha decorado con personajes de la vida política y social ecuatoriana para realzar la historia espiritual del país. Estas imágenes abarcan personajes a partir de la época de la conquista española, es decir que se incluye en esta alegoría a Atahualpa, que es el símbolo de la raza que poblaba primitivamente el Ecuador.
Como la iconografía de la Basílica no ha sido totalmente terminada, se ha estudiado muy detenidamente los planos originales, en los que se incluyen varios persoanjes, hasta alcanzar la cantidad de 230. Tomando en consideración a artistas, religiosos, poetas, científicos y políticos, indicativo de una lucha común por el ideal de la patria unida.
Campanario
La Basílica contiene en sus dos torres principales un juego de campanas de bronce , la más grande pesa 8 quintales, las siguientes 4, 3 y 2 quintales. También presentan un reloj, que consta de seis esferas, tres en cada torre, las que tienen un diámetro de 4.3 m, permitiendo una buena visibilidad desde cualquier parte de la ciudad. El campanario cumple así, su sentido de predominio aún sobre todas las iglesias existentes en la ciudad.
Transepto
Es el espacio que atraviesa a la nave principal y que forma la cruz. En un inicio el altar estaba planificado para realizar la misa desde la cabecera de la nave central, pero tras una reforma del padre Matovelle, se dispuso que el altar esté en el eje de la iglesia, entre la nave central y el crucero. Aquí está colocada una pequeña gradería circular sobre la cual está el altar de mármol.
Vitrales
Los vitrales de la Basílica tienen la particularidad de que su fondo está decorado exclusivamente con representaciones de la flora endémica de Ecuador, constando al pie de cada uno el nombre de la flor utilizada. Además, los ribetes están decorados con los diseños de las fajas de los indígenas del país, y relatan escenas de la vida de Jesús.
Crucero
En el crucero se han logrado dos efectos especiales, se colocaron unos vestíbulos que tienen como función amortiguar el ruido de la calle y las corrientes de aire y en la parte superior de estos se han incorporado dos coros, el occidental dedicado al Sr. Presidente de la República y el oriental al cuerpo diplomático, lo que permitirá una mejor organización de los múltiples actos que se realizan en este templo.
Rosetones
Otro aporte al estilo en mención se demuestra en estas figuras, originalmente fueron diseñadas a base de figuras geométricas, y es así que los rosetones en el Voto Nacional son representaciones de los lirios y orquídeas, ambas flores símbolo de la ciudad de Quito y del Ecuador respectivamente.
Figuras antropomóras
La basílica del Voto nacional presenta dos tipos de figuras antropomórfas: gárgolas y acróteras.
Gárgolas
Son uno de los principales distintivos de la Basílica del Voto Nacional, pero que mantienen una relación directa con la época en que fueron concebidas. Se encuentran en los laterales superiores de la nave central.
El aporte inédito al estilo neogótico por parte del Ecuador se demuestra principalmente en estas gárgolas, ya que los animales que decoran este templo no son sólo mitológicos (como los de los templos europeos), sino que son animales endémicos y exóticos, representativos de la fauna ecuatoriana tales como caimanes, tortugas de Galápagos, piqueros de patas azules, armadillos, monos aulladores, pumas, entre otros.[1]
Acróteras
La diferencia entre estas y las anteriores radica en que las gárgolas, además de ser decorativas, tienen la función de servir como bota-aguas, mientras que las acróteras sirven exclusivamente para decorar.
También es importante enunciar que tanto gárgolas como acróteras tienen una valoración implícita de ayudar a espantar a los malos espíritus, una creencia que tiene origen en el medioevo y se puede apreciar en toda construcción gótica.
Estatuas
Estas aún no han sido colocadas, se calcula que hacerlo tendría un valor superior a 2 millones de dólares. En los planos originales se utilizan figuras de santos y personajes importantes de la vida política, social militar y religiosa del país en toda la estructura exterior.
Torres
Rigiéndose al estilo gótico, la fachada principal del Voto Nacional está constituida por torres altas, que en los planos originales debía alcanzar los 105m. De altura, pero luego de algunos estudios técnicos, relativos a previsiones de fenómenos telúricos principalmente, se ha acordado bajar su altura solamente a 78.23 m. En la parte media de las torres se encuentra un espacio concebido para albergar un pequeño museo y una cafetería con mirador a los cuales se tiene acceso por medio de dos ascensores hasta el tercer nivel, y luego por gradas.
También se encuentra la torre más alta, conocida como “La Torre de los Cóndores”, que se halla a 115m de altura, y que en lugar de gárgolas presenta solamente cóndores, ya que ellos necesitan al menos esta altura para poder volar. Este detalle es sumamente representativo, ya que el cóndor es el ave nacional de Ecuador; se encuentra coronando su escudo nacional, al igual que corona este templo.
Fachada
En la fachada se puede apreciar una escultura de la Virgen María y otra del Papa Juan Pablo II. Además de las puertas decoradas, el rosetón interrelacionado con el altar y el Panecillo y los pináculos que se encuentran también en toda la estructura exterior.
En la fachada occidental existen 24 círculos, vacíos al momento, pero que servirán para que sean colocados escudos de todas las naciones americanas. Así mismo está designado un lugar en el cual se izarán las banderas de los distintos países, esto con un motivo panamericanista y de unión que tiene actualmente el mundo.


MUSEO FRAY PEDRO GOCIAL San Francisco

El museo FRAY PEDRO GOCIAL se encuentra en el interior del Convento de la iglesia de San Francisco, exhibe la colecciòn colonial religiosa  mas importante de los bienes culturales, obras de los artistas que conformaron la extraordinaria Escuela Quiteña. Tambien es parte del museo el Coro de la iglesia, donde se admira la magnificencia de la arquitectura y decoraciòn de este, su templo mayor.

Quito, Museo Convento San FranciscoEn su altar principal se exhibe la escultura de la Virgen de Quito, elaborada por Bernardo de Legarda, cuya gigantesca réplica se observa en la Loma del Panecillo.
Dentro de sus muros se puede encontrar alrededor de 400 piezas de los siglos XVII y XVIII componen la muestra de arte religioso que se exhibe en los pasillos del convento donde desde 1993 funciona el museo franciscano fray Pedro Gocial.  

Zaguán.- Antiguamente, servía para dar misa y de ingreso principal al convento, construido el 4 de octubre de l605. En su fachada resguarda dos rejas de hierro trabajadas por Francisco Cantuña.

Claustro Parincipal.-  Terminado de construir del siglo XVII. Muy amplio, está formado por cuatro galerías divididas en dos plantas.  Tiene un total de 104 columnas de piedra toscano enlazadas, mediante arcos.  En el centro está la pila de piedra y alabastro, la primera que abasteció de agua la ciudad en el siglo XVII.

Salas de exposición.- En las dos primeras salas se muestran obras representativas de los orígenes de la pintura y escultura en el ciudad de Quito.

Claustro del Museo.- La denominación de claustro del museo es dada en este siglo, por la celebración del IV Centenario de la fundación de la ciudad de San Francisco de Quito.   Está compuesto por pilastras y elegantes cornisas de cal y canto, que rodean al patio que antes servía de cementerio público. 

Salas de exposición.- Conformadas por la galería y parte de los espacios del ala occidental baja, se exponen allí las siguientes obras: las cinco pinturas de la Serie de la Vida de San Francisco, en el techo observamos la pintura mural decorativa del siglo XVIII, el premio de la Real Fundación de Toledo y las pinturas de la Serie de la Doctrina Cristiana de Miguel de Santiago. 

El coro.- Consagrado a la oración de los religiosos franciscanos durante su vida conventual, data de finales del siglo XVI y originalmente se hallaba ocupado por 81 sillas corales distribuidas en una sillería baja y otra alta, atribuídas a Fray Francisco Benítez. 
En el museo existe una colección de 22 pinturas sobre mármol del siglo XVIII y muchas otras muestras de artesanía. También se pueden admirar de cerca pinturas muy antiguas de la Escuela Quiteña, obras de Miguel de Santiago, Goríbar, Rodríguez y Mejía.

Lo que mas me gusto de este museo, fueron las esculturas que tenia mucho realismo a pesar de ser sangrientas, expresan una admiraciòn a los vistantes, y demuestra como era la influencia religiosa de aquellos tiempo en los que el pueblo estaba orpimido ante el poder de la iglesia catòlica.

En mi forma de ver es mucha la exageracion de los artistas, que por medio de estas esculturas quieren demostrar la manera en la cual Jesucristo fue torturado, ya que es muy sangrienta y exagerada.

Al concluir la visita a este museo podemos darnos cuenta la riqueza que el pais tiene en la influencia del arte, y lo poco que conocemos de esto. Nos invita a reflexionar y concienciar cobre la manera en la que en siglos pasados el pueblo tenia tanto fanatismo ante la influencia religiosa.

ARTE GOTICO

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa Occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVIen los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

Arquitectura 

A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint-Denis o San Dionisio (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).
También desde finales del siglo XII y comienzos del XIII se divulga por los monasterios de la orden del Císter un estilo despojado de ornamentación y reducido a la pureza de los elementos estructurales, expresión de las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de Claraval, que se suele denominar arte cristiencense.
Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial, exclusivamente por la utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes a contrafuertes externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros. Los elementos sustentantes (pilares de complicado diseño) quedan mucho más estilizados. Pero la utilización de un elemento no puede definir un estilo de forma global, se trata de un problema más amplio, de una nueva etapa histórica, una nueva concepción del arte y con el del mundo. Un elemento estructural, por importante que sea, no puede resumir un concepto global sobre la vida.


La luz

Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época. El humanismo incipiente liberaba al hombre de las oscuras tinieblas y le invitaba a la luz.Este hecho está relacionado con la divulgación de las corrientes filosóficas neoplatónicas, que establecen una vinculación entre el concepto de Dios y el ámbito de la luz. Como las nuevas técnicas constructivas hicieron virtualmente innecesarios los muros en beneficio de los vanos, el interior de las iglesias se llenó de luz, y la luz conformará el nuevo espacio gótico. Será una luz física, no figurada en pinturas y mosaicos; luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si de focos se tratase; a la vez que es una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras y los rosetones, que trasforma el espacio en irreal y simbólico. El color alcanzará una importancia crucial.
La luz está entendida como la sublimación de la divinidad. La simbología domina a los artistas de la época, la escuela de Chartres considera la luz el elemento más noble de los fenómenos naturales, el elemento menos material, la aproximación más cercana a la forma pura.
El arquitecto gótico organiza una estructura que le permite, mediante una sabia utilización de la técnica, emplear la luz, luz transfigurada, que desmaterializa los elementos del edificio, consiguiendo claras sensaciones de elevación e ingravidez.

Escultura gótica


En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.
Las esculturas góticas nacieron en los muros de las iglesias, a mediados del siglo XII en la Isla de Francia, cuando el abad Suger hizo construir la abadía de Saint-Denis (h. 1140), considerada el primer edificio gótico, y muy pronto le siguió la catedral de Chartres (h. 1145). Anteriormente, no había tradición escultórica en la Isla de Francia, así que los escultores se traían de Borgoña, quienes crearon las revolucionarias figuras que actuaban como columnas en el Pórtico Real de Chartres. Era un invento enteramente nuevo y proporcionaría el modelo para una generación de escultores.
Las ideas francesas se divulgaron. En España la penetración del gótico francés se hizo a través de maestros y obras que llegaron procedentes de este país, por ejemplo en Cataluña la influencia del taller de Rieux es bastante evidente en la virgen del Patrocinio de Cardona. En Alemania, desde 1225 en la catedral de Bamberg en adelante, el impacto se encuentra en todos los lugares. La catedral de Bamberg tiene el más amplio conjunto de escultura del siglo XIII, culminando en 1240 con el Caballero de Bamberg, la primera estatua ecuestre en el arte occidental desde el siglo VI, y que se cree que retrataba a Conrado II.
En Inglaterra la escultura estaba más limitada a monumentos funerarios y decoraciones no figurativas, en parte debido a la iconoclastia cisterciense. En Italia aún persistía la influencia clásica, destacando obras como el púlpito del baptisterio de Pisa (1269) y el de la catedral de Siena. Una obra maestra tardía de la escultura gótica italiana es la serie de tumbas de los Scaligeri en Verona.
Las técnicas de tallado de madera se hacen cada vez más sofisticadas, llegando a su máximo esplendor en la integración del color y el diseño arquitectónico de complejísimos retablos. La recuperación de la tradición clásica de la fundición del bronce deberá esperar al renacimiento italiano.
El escultor flamenco-borgoñón Claus Sluter y el gusto por el naturalismo marcó el comienzo del fin para la escultura gótica, evolucionando hacia el clasicista estilo renacentista a finales del siglo XV.

Pintura gótica 

Un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico» no apareció hasta alrededor de 1200, o casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.
Es usual indicar que, mientras en el románico las representaciones figurativas son simplificadas e idealizadas, en el gótico se tiende a aumentar el realismo y naturalismo, aproximándose a la imitación a la naturaleza que será el ideal del renacimiento, incluyendo la representación de paisajes, que, no obstante, sigue siendo poco usual.


Madonna con ángeles y San Francisco. Asís. Cimabue, hacia 1280
En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.
También hay lentos avances en el uso de la perspectiva y de otras cuestiones técnicas en pintura en cuanto al tratamiento de los soportes (que permiten la mayor difusión de un arte mobiliar), los pigmentos y los aglutinantes.
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:
  • Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.
  • Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV.
  • Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.
  • Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales.

 

HISTORIA DEL ARTE MUNDIA

IGLESIA DE LA COMPAÑIA DE JESUS

La Iglesia de la Compañia, es un ejemplo del arte y la fe del pueblo y es la maxima exprsión del estilo barroco en el Ecuador.
La construcción de la iglesia con el patrocinio de la Compañía de Jesús inició en el año de 1605 bajo las órdenes del sacerdote Nicolás Durán Mastrilli, y concluyó en 1765. Como resultado la edificación de esta obra arquitectónica duró 160 años.  En 1634, el jesuita Gil de Madrigal realizó el crucero pero las obras cobraron impulso con la llegada del hermano Marcos Guerra en 1636, quien era arquitecto y escultor.
Para la construccion se utilizaron materiales como piedra, ladrillo, yeso,pintura al óleo, al temple y madera, policromanía y pan de oro para los soberbios retablos y maravillosas esculturas, mientras se empleó generosamente pan de oro de 23 kilates para dorar toda la iglesia.Esta es la joya del barroco Iberoamericano.
A mi manera de ver los que mas me gusto fue la decoracion que tiene la manera en la que esta decorada con oro y las naves centrales que dirijen hacia la capilla mayor.
Otra de las cosas que mas me llamo la atencion fue el cuadro del infierno, en el cual representa la manera en la cual seremos castigados por los diferentes pecados que cometamos en la tierra, asi como el cuadro del juicio final en el cual representa como todos los seres somos juzgados para ser mandados al infierno a al cielo y la manera como los muertos se levantan para tambien ser juzgados.




Figura 20.- El interior de la iglesia, visto desde el coro